Faust (1926)

Il demone Mefisto scommette con l’Arcangelo Gabriele di riuscire a corrompere l’anima del dottor Faust, un vecchio alchimista, per rivelare la vera natura dell’uomo; in cambio otterrà il dominio sulla Terra. Mefisto scatena un’epidemia di peste nel villaggio di Faust, che accetta, in prova, il patto con il diavolo, dapprima con l’intento di debellare la malattia e poi per la tentazione della giovinezza e dei piaceri che questa porta con sé, che l’alchimista non ha mai provato. Faust finisce così per cedere definitivamente la sua anima a Mefisto, ma il suo amore per la bella e giovane Gretchen complicherà le cose.

Il mito del Faust affonda le sue origini nel XVI secolo. Una leggenda tedesca narra di uno studioso di scienze naturali (che pare essere storicamente esistito), che strinse un patto con il Maligno, cedendogli l’anima in cambio della possibilità di arricchire la sua inarrestabile sete di conoscenza. La storia parte da un libro scritto, con chiari intenti moralizzanti, da Johann Spies, a fine ‘500, viaggia poi, tra racconti, romanzi e rappresentazioni teatrali, lungo tutta l’Europa, arricchendosi di numerose varianti. Ce ne parla tra i primi il drammaturgo inglese Christopher Marlowe, ma è con J.W.Goethe che la leggenda raggiunge la sua più grande popolarità,  grazie alla dimensione romantica in cui la immerge lo scrittore tedesco, che, per la prima volta, ne crea una versione a lieto fine. Un mito di tale importanza, sul cui sfondo si staglia l’eterna lotta tra il Bene e il Male, non poteva ovviamente restare indifferente al mondo del cinema: ci pensò già “papà” Méliès nel 1903 a cui seguirono, negli anni successivi, alcuni cortometraggi omonimi. Debiti evidenti se ne rintracciano, poi, nelle 2 versioni dello Studente di Praga di cui abbiamo già parlato. E’ però Murnau a realizzarne nel 1926 una versione, per così dire, “definitiva”.

Il Faust fu, tra l’altro, l’ultimo film che Murnau girò nella sua terra natale, prima di trasferirsi a Hollywood. Quello che impressiona maggiormente della sua trasposizione, al di là delle evidenti implicazioni socio-morali, in qualche modo anticipatorie del futuro avvento del Nazismo, è lo stupefacente e massiccio utilizzo di effetti speciali, che il cineasta tedesco dimostra di saper padroneggiare con la consueta maestria. In particolare è la prima parte della pellicola a lasciare a bocca aperta, dall’avvento dei quattro Cavalieri dell’Apocalisse fino alla figura nera  e gigantesca di Mefisto che domina minacciosa, dispiegando le sue ali nere sul piccolo villaggio, prima di scatenarvi l’epidemia pestilenziale; ma anche il resto del film non si risparmia, tra continue innovazioni e sperimentazioni, impreziosite dalla straordinaria fotografia di Carl Hoffman (che sostituì il designato Karl Freund), sino allo struggente ed epico finale, che rimanda da vicino a quello della Passione di Giovanna d’Arco che C.T. Dreyer girerà pochi anni dopo. Impressionanti i giochi di luce e ombra che simboleggiano anche lo scontro tra Spirito e Materia, Bene e Male, Amore (che tutto vince) e Morte. Come sempre ottime le scenografie anche se qui l’espressionismo è ormai diluito e virato prepotentemente al realismo. Vero mattatore è Mefisto, interpretato da un gigioneggiante Emil Jannings, divenuto all’epoca attore “feticcio” di Murnau; il demone mette davvero lo zampino in ogni cosa, tentando, spaventando e uccidendo, ma all’occorrenza anche divertendo, con alcuni siparietti che stemperano la crudezza della seconda parte della vicenda. Quest’ultima si svolge, in inverno, sotto la neve che cade incessante e vede la povera Gretchen (a cui presta il volto la bellissima e brava Camilla Horn), ormai abbandonata da tutti e costretta a vivere, da reietta, all’addiaccio, perdere il proprio figlio, nato dal tragico rapporto con Faust, a causa della morsa del gelo; inoltre, al culmine di una spirale di crudeltà umana che non ha eguali forse neppure nel Diavolo, viene pure accusata e condannata a morte per infanticidio.

Un’opera maestosa, sconvolgente ma anche commovente, tra le migliori tra quelle (purtroppo poche) sopravvissute della cinematografia di Murnau.

Reperibilità: Più che buona. Esistono svariate edizioni in DVD/Blue Ray, non ultima una deluxe a doppio disco della Kino, a prezzo accessibile. In rete si trova anche una versione con didascalie in italiano, ma non mi pare sia attualmente in commercio. E’ liberamente visionabile su Youtube

Titolo: Faust- Eine deutsche Volssage

Produzione: Germania (1926), b/n, muto, 116 minuti

Regia: F.W. Murnau

Cast: Emil Jannings, Gosta Ekman, Camilla Horn, Frida Richard

Nosferatu il vampiro (1922)

“Il giovane agente immobiliare Hutter viene inviato in Transilvania per un concludere una compravendita con il misterioso Conte Orlok, intenzionato a prendere casa nella piccola cittadina di Wisborg. Giunto sul posto, Hutter viene a conoscenza delle superstizioni che aleggiano intorno al castello del Conte e che riguardano in particolare Nosferatu, un vampiro che si nutre di sangue umano”. 

Abbiamo già parlato di quanto la sfortuna si sia abbattuta sull’eredità cinematografica di Murnau. La sorte però, tra gli altri, ha risparmiato Nosferatu, un capolavoro assoluto del cinema e (ovviamente) un pilastro fondamentale nella storia del genere horror. E’ noto infatti come un tribunale ordinò la distruzione di tutte le copie esistenti del film, illegalmente tratto dal Dracula di Bram Stoker. Non bastò a Murnau cambiare titolo, modificare nomi dei personaggi e dei luoghi e apportare qualche piccola sostanziale modifica al finale, per evitare la condanna di plagio per violazione dei diritti d’autore. Lo stesso regista riuscì però a sottrarre al rogo un’unica copia che ne evitò l’oblio, permettendone la sopravvivenza sino ai giorni nostri. Sul sottotesto dell’opera e le sue possibili interpretazioni si sono scomodate psicologia e sociologia, riempiendo pagine di tesi e saggi; non è questa la sede per approfondire queste elucubrazioni, né ci sarebbe lo spazio per farlo. Mi interessa invece, porre l’attenzione sul conflitto luce-oscurità che qui si risolve non tanto nella contrapposizione tra Bene e Male, come nel romanzo di Stoker, quanto nel passaggio in una dimensione buia, terribile, ma anche irresistibile e inaspettatamente seducente. Basti pensare alle pulsioni voluttuose di Ellen che subisce il “fascino” di Orlok, ancor prima di incontrarlo, quando ancora egli si trova sui Carpazi. L’unica possibilità di salvezza è il sacrificio, consistente nell’abbandonarsi proprio all’oscurità, cedere al non-morto per far sì che venga distrutto dalla luce del sole. E qui si chiude il cerchio.

Murnau è bravissimo a ricreare su pellicola questo conflitto attraverso scene stampate in negativo, alternarsi di giorno e notte, soffermandosi su paesaggi crepuscolari e creando un’atmosfera onirica, sempre più da incubo man mano che la storia procede verso la sua conclusione. Fondamentale si rivela anche il gioco di ombre, nella celeberrima sequenza, fonte imperitura di imitazioni e parodie, della minacciosa intrusione del vampiro nella casa di Hutter; sequenza che si conclude con la proiezione della mano di Orlok sul petto di Ellen in un afflato quasi erotico. Il vero assoluto protagonista è proprio lui, Nosferatu, divenuto in brevissimo tempo un’icona, un mito acquisito dalla cultura popolare e dall’immaginario collettivo. Le orecchie a punta a contorno di una testa spigolosa, quasi da topo, gli incisivi ultra sviluppati (non i canini come nella classica tradizione vampirica), la postura ingessata, quasi goffa potrebbero forse strappare un sorriso. Ma quelle mani artigliate, lo sguardo allucinato, ipnotico, l’andatura “levitante” (un espediente tanto semplice, quanto efficace, usato ancora oggi), la sua ombra, rimangono inquietanti anche per lo spettatore moderno. La scena in cui Orlok è chino sul collo di Ellen è poi autenticamente terrorizzante. Dietro il trucco del Nosferatu c’era il caratterista, noto soprattutto come autore di teatro, Max Schreck, il cui nome, probabilmente non a caso, è letteralmente traducibile con “spavento” e che leggenda vorrebbe essere addirittura un vero vampiro; leggenda che ha ispirato anche un film del 2000, L’ombra del Vampiro di Elias Merhige con John Malkovich e Willem Dafoe. I personaggi interpretati dagli altri attori finiscono con il rimanere in secondo piano, funzionali alla storia, ma quasi tutti succubi del magnetismo del Conte. La figura di Van Helsing/Bulwer è infatti nettamente ridimensionata rispetto al romanzo e a tutte le successive incarnazioni cinematografiche di Dracula, ma per come lo sceneggiatore Henrik Galeen ha orchestrato la trama, affidando l’onere suicida di uccidere il vampiro alla compagna di Hutter, non se ne sente la mancanza. La regia di Murnau è innovativa, virtuosistica, con soluzioni originali come ad esempio le sequenze “accelerate” e una cura eccezionale, tanto nelle riprese in interno quanto in esterna, in particolare nel creare l’atmosfera del castello di Orlok, non maestoso come in successive produzioni ma anzi desolatamente spettrale. Capolavoro senza tempo.

 Reperibilità: C’è l’imbarazzo della scelta, anche a prezzi modici. L’offerta più completa è quella dell’inglese Eureka: blue-ray o doppio DVD, ma è senza sottotitoli in italiano; se non ne potete fare a meno potete ripiegare sull’edizione Ermitage.

Titolo: Nosferatu eine Symphonie des Grauens 
Produzione: Germania (1922), b/n, muto, 94 minuti 
Regia: F.W. Murnau

Cast: Max Schreck, Gustav Von Wangenheim, Greta Schroder, Alexander Granach

Discuti di Nosferatu su horrormovie.forumfree.it

(Dossier) Gli altri film del 1921

Al di là del Carretto Fantasma, l’annata 1921 ci ha lasciato ben poco altro di intatto. C’è però una manciata di pellicole che, per motivi diversi, mi sembravano meritevoli di segnalazione. La prima di queste è Il Castello di Vogelod (Schloß Vogelöd), uno dei lavori sopravvissuti di F.W. Murnau, che in realtà è un giallo-poliziesco, anche sorprendentemente piuttosto classico; ma, in una scena, uno dei personaggi minori ha un incubo notturno in cui sogna di essere ghermito da un’enorme mano ferina mentre si trova a letto. E’ indubbio che lo spaventoso braccio che appare dalla finestra sia un’anticipazione della figura del Conte Orlok che, l’anno successivo, diventerà un’icona del cinema in assoluto nel capolavoro Nosferatu il vampiro. 

Altro film di interesse è il danese Pagine dal libro di Satana (Blade af Satans Bog) di Carl Theodor Dreyer, altro regista destinato a lasciare, qualche tempo dopo, un segno indelebile nella storia dell’horror su celluloide. Qui siamo su altri lidi: dramma morale a episodi ambientati in epoche differenti e chiaramente ispirato a Intolerance, il kolossal girato 5 anni prima da D.W. Griffith, un esperimento su cui si erano già cimentati Murnau e il nostrano Luigi Maggi (le cui rispettive opere, come abbiamo già avuto modo di dire tempo fa, risultano irrimediabilmente perdute). Del film di Dreyer non è tanto il Diavolo, qui interpretato da Helge Nissen alla sua prima e unica esperienza cinematografica prima di morire suicida nel 1926, a interessarci, ma il secondo atto, quello storicamente collocato nel periodo dell’Inquisizione Spagnola. Le tentazioni e i dilemmi del religioso protagonista, la figura di Satana-Grande Inquisitore, gli incappucciati e la camera delle torture sono gli elementi per cui consiglio di recuperare l’episodio, tranquillamente fruibile anche fuori contesto.

Nel nostro ipotetico viaggio ci spostiamo ora in Italia per parlare de Il mostro di Frankenstein di Eugenio Testa, film di cui purtroppo non è rimasto altro che una singola foto di scena, oltre a qualche locandina promozionale. Perdita importante perché si tratta di uno dei primissimi horror prodotti nel nostro paese, anche se l’attribuzione al genere è da prendere con le pinze; nel cast come protagonista è infatti accreditato l’attore (con un passato da artista circense) Luciano Albertini, noto soprattutto per aver interpretato la parte di Sansone in una lunga serie di pellicole di cui potrebbe far parte anche quest’ennesima versione del “Frankenstein” di Mary Shelley. Qualcuno ipotizza vi fosse un’improbabile commistione di elementi peplum e horror (derivati dal romanzo originale), ma la scarsità di informazioni affidabili impedisce di poter trarre qualunque conclusione. Certo è che anche l’attore che interpretava la creatura, Umberto Guarracino, legò il suo nome al sottogenere peplum e in particolare alle saghe di Sansone e Maciste.

Infine dedichiamo qualche breve cenno a due parodie. In verità l’intento comico all’interno di una finta cornice paurosa non era certo una novità assoluta, essendo già presente e pulsante nei primi cortometraggi realizzati da Georges Mèliés; a distanza di oltre un ventennio, però, le intenzioni dei film di cui ci apprestiamo a parlare appaiono più definite e consapevoli. Restiamo nel nostro Paese (la produzione è italiana) per parlare del primo, L’uomo Meccanico, scritto, diretto e interpretato dal francese André Deed, da noi meglio conosciuto come “Cretinetti”. Nel calderone orchestrato da Deed, che racconta la storia di un robot controllabile a distanza rubato e usato a scopi criminali da una banda di fuorilegge, finiscono in maniera abbastanza ingenua fantascienza, horror e commedia; nei 25 minuti (circa) sopravvissuti dell’opera spiccano la fuga dal carcere di Mado (la capo-banda) e la sfida tra i 2 robot (uno “buono”, l’altro “cattivo”). 

Ci spostiamo infine negli Stati Uniti per l’ultimo titolo della rassegna, La casa dei fantasmi (The Haunted House) cortometraggio interpretato da una delle più grandi star del cinema muto, Buster Keaton, e diretto dallo stesso Keaton in collaborazione con Edward F. Cline. La trama vede un impiegato di banca che, dopo essere stato rapinato, finisce nel rifugio dei banditi, una casa che fanno credere stregata per tenere lontana l’attenzione della gente. Il tema diverrà a suo modo un classico e malgrado i trucchi abbastanza elementari (anche se si fa apprezzare la scena in cui due banditi vestiti da scheletri “ricostruiscono” un uomo a pezzi) il corto diverte non poco grazie alla recitazione sopra le righe di Keaton.